24/7 — Approved Rejected Projects @ La Biennale di Venezia (Venezia)

24-7 - Approved Rejected Projects @ Utopia Station

24-7 - Approved Rejected Projects (2003)

24-7 - Approved Rejected Projects @ Utopia Station

24-7 - Approved Rejected Projects (2003)

24-7 - Approved Rejected Projects @ Utopia Station

24-7 - Approved Rejected Projects (2003)

24-7 - Approved Rejected Projects @ Utopia Station

24-7 - Approved Rejected Projects (2003)

24-7 - Approved Rejected Projects @ Utopia Station

24-7 - Approved Rejected Projects (2003)



24/7 at the Venice Biennale: Rejected Projects/Unsolicited Projects

24/7 kindly invites artists and curators to participate in our new and unofficial show to take place during the opening days of the Venice Biennale.

To participate you only need to send us any project you have proposed that has been rejected by any gallery, museum or art institution in any place of the world; If you can we would appreciate if you specify the name of the institution that rejected it, the date and the reasons why it didn’t take place or the reasons you were given. Alternatively we will accept any unsolicited project or undone project that you had thought of. Proposals can be sent in any language, if we have time we will translate them to Italian.

The selected proposals will be printed and photocopied in unlimited quantities and handed freely all over Venice during the opening days of the Biennale.

A photocopied catalogue will be printed afterwards.

All proposals should fit in one page, they can be sent by email to twentyfour_seven_gallery@yahoo.co.uk by fax to ++44 (0) 2075311259 or by mail to Unit 8, 11 Long Street, London E2 8HN, U.K.

We will be receiving proposals until June 11, 2003.




“One can denounce nothing from the outside; one must first inhabit the form of what one wants to criticize. Imitation is subversive, much more so than discourses of frontal opposition that only make formal gestures of subversion.”
Nicolas Bourriaud, Postproduction (New York, Lukas & Sternberg, 2002)

On Friday May 30th 2003, 24/7 launched an open submission for artists and curators asking them to send us rejected and unsolicited projects. We spammed as many people as possible and asked everybody to forward the submission to anyone who could be interested in it. We then sat waiting for replies.

Until June 11th 2003 at 2:34 PM London time we had received around 50 projects, most of them rejected and a few unsolicited ones. As a whole, the collection of proposals became like an interesting survey that allowed us to witness a current state of contemporary art production. Some of the proposals had evidently been rejected for its low-quality, others that seemed interesting within their particular context, but were not relevant to the line of work that 24/7 has been pursuing (they were meant for ideal spaces, were attempting to be high art, or were using safe politically correct discourses).

Finally the projects we selected to hand out in photocopies in Venice were those that proved to be problematic for art institutions. The chosen rejected projects met “a more down to earth” approach and proposed more realistic ways of production; projects with strategies similar to the ones of our no-budget gallery. We leave the rest of the projects to organizations and/or institutions interested in other contents and/or with budget to realize them.

All this to say that “Rejected Projects/Unsolicited Projects“ was not conceived as an utopian place where everything goes or every project can be accepted. While choosing and simulating to act as an institution in the selection process and not like a charity, we hope to make evident the failures and fissures existing within the system on both sides, institutions and producers. The “DOs and DON’Ts” within the established codes of institutionalized spaces are clear. The system either closes in itself to avoid being criticized, or absorbs the critique and normalizes it.

The total of the projects received will be published in a photocopied catalogue that could be used by art institutions in search of projects to do, artists looking for ideas, and academic researchers.




I was invited to make a public project at the SECESSION in Vienna, in may-june 2002.

At the moment I was fascinated by a tale of the Borgia family, of how one of them while seizing some Italian city, asked Da’Vinci (their army counsellor) which was the best way to go over the walls. Da’Vinci told him to order his soldiers to put up ladders and simply try to climb over. Mr. Borgia answered that the enemy would react by adding bricks from the inside, making the wall higher and much more difficult to reach. Da’Vinci explained that this was exactly the idea, because the higher the wall the more instable, and when it was high enough they would aim with the catapult to the wall’s base, making a hole and toppling down the structure. That was how it happened and Mr. Borgia entered and conquered the city. I also wanted to make a hole in the structure.

I proposed them to have a non-charging 24 hours open access to the public, either by letting the main door of the gallery permanently open, or by making a hole in one of it’s walls. This was with the idea of letting everyone enter the exhibitions for free, but also to generate a space or shelter for those without one, like homeless, tourists, late party-goers, etc… To resume I wanted to transform the Secession into a real public space, by making it open to anyone, at anytime.

The Secession receives corporate funding, but also sustains itself by charging an entrance fee and selling their own merchandising and publications in their shop. Some sort of weird corporate-private gallery as it seems.

And precisely this privacy they boast, was their main argument to reject my proposal, they told me they could not stop charging an entrance fee, as this money is what assures their alleged independence, and allows them to program the kind of shows they do (?). Also they raised the security issue, talking about how a 24 hours access or open hole would be to much of a risk, bearing in mind that the rear park is always full of junkies that could move into the gallery.




Galeria Chilena (GCH) is an artist-run space from Santiago de Chile. GCH has no fixed exhibition location and works as a nomadic enterprise. A discontinuous communication center that strives for the development and insertion of contemporary Chilean art, GCH was founded by Joe Villablanca, Felipe Mujica and Diego Fernandez in 1997.

During the last decade, in the aftermath of the Pinochet regime and following years of neo-liberal democratic transition, Chilean culture and society has taken a number of contradictory forms. While Chile’s international image has vastly improved, many social and political problems remain unsolved. While government funds have been slowly increasing, the cultural sphere displays familiar signs of underdevelopment. The gradual opening-up of Chilean culture have fueled a dynamic and steadily growing young art scene. Predictably, there’s only a very few not-for-profit art spaces (government-funded) to show the work of these “emerging” artists.

GALERIA CHILENA was born as a response to the lack of institutional space & support for emerging contemporary artists and also as a tool for increased artistic communication with larger, more complex international art circuits.

The big difference between GCH and other art spaces is the fact that it is actually mobile and mutant, moving around the city through an entrepreneurial strategy. GCH transforms vacant commercial storefronts into gallery-like art spaces for brief, explosive durations of cultural production. Because of GCH’s working mode, the projects are developed and displayed in close and continuous dialogue between the gallery and the artists.
GHC uses specific locations according to specific projects and vice versa.

The artists GHC introduces to the greater art public are aware that their strategy extends beyond the site-specific to become, where artistic personas and art works are concerned, part of a time line, where the general concept of GCH, or its gallery profile, is understood as a collective ouvre that includes individual art works, artists and the specific social, historic and architectural conditions of each show.

Through its own diplomatic skills, GCH’s curatorial choices collect experiences of appropriated space, social time and the opportunity to spread each artist’s proposition.

1:10 (GCH #14)
GALERIA CHILENA proposes the following to The Americas Society: an exhibition that works on the idea of GCH as an ideal art space and how this condition is a product of its nomadic intermittence.

A group of twelve artists would be commissioned to work in tandem and produce a 1:10 model for GCH´s idealized, utopian, dream building.
Each model will become a testimony of the artist’s intentions with respect to GCH’s fictional strategy.
Each model will transform all that GCH has been and include all it could eventually become, materializing and simultaneously reversing the site specific approach.

Our goal is to produce a show that develops in a sculptural manner, a rhizome-like, transformational process that is about real collective work and possibilities of art making, as seen vis a vis the simulated institutionalization of GCH.

During the show, GCH will offer a lecture and slide show on Chilean contemporary art and our position within the original context and now, living and working in NYC.

It is GCH’s intention to print a catalog that would encompass GCH’s activities in Santiago de Chile between 1997 and 1999, with images from the 13 preceding shows and a selection of texts by the artists.

Parallel to “1:10/ GCH #14”, which is to be displayed at The Americas Society, GCH will also produce a show in an independent, non-commercial space in Manhattan which will present “RICOS Y FAMOSOS”, a selection of works by artists from in Santiago de Chile, conceived by guest curator Christian Viveros-Faune and previously exhibited in Santiago at the Museo de la Solidaridad Salvador Allende (July 2003). “RICOS Y FAMOSOS” presents a set of works that are emblematic of the self-managed, do it yourself operations that sprouted spontaneously as a response to the state of the scene between 1993 and 2003 in Santiago de Chile.

With this artistic intervention GCH would act as a bridge between SANTIAGO and NEW YORK, producing a show that is a crossing between a procedural show and an “historic” show: between finding and using an institutionalized space and a non-artistic street space, between presenting work made mostly in Santiago and the new possibilities to be found for South American artists (and by extension, all other artists from the Third World) in New York to shift their exhibition, promotional and curatorial strategies to fit this radical if highly significant new context. This novel situation proposes crossing art, curatorship, gallery enterprise, and a question to globalism and institutions. The end result should be a flexible, highly mobile enterprise that both presents the best of contemporary Chilean art to New York and absorbs the dynamism of NYC into a new and changing modality. It is understood that the final result of this show will be amply determined by the specific social context of the chosen location.

The America Society has given no official explanation of why this project was rejected. We believe it may be because of our initial alliance with the exhibition project Ricos y Famosos curated by Christian Viveros-Faune. Maybe this double strategy confused the institution (which reveals an academic position) or maybe it was simply out of budget. Other reason, speculated by us, is that there were 2 other Chilean spaces and therefore The America Society could not accept more than one space. The final “Chilean” space which project was accepted is Muro Sur, a more traditional artist run space which operates in Santiago de Chile.




Curadora: Magda González-Mora
Artistas: Sandra Ceballos y René Quintana
País: Cuba
Año: 2002

A pesar de la aparente diferencia entre los contextos socio-políticos, culturales y religiosos, las catástrofes universales nos han convertido en partenaires involuntarios de una crisis aguda en los sistemas de valores éticos, políticos y culturales. Nos ha tocado asumir el rol de narradores infatigables de estos hechos, los cuales en ocasiones se convierten en fugaces sucesos de la dinámica noticiosa contemporánea. Lo que hoy es transformado en espectáculo por el reportaje periodístico, en pocos días se disputa un sitio en la historia, se disipa en el olvido o queda sujeto a la pertinencia de una resurrección. Más o menos conveniente, más o menos oportuna, la noticia busca acomodo en instantáneos argumentos apostando por el potencial de su trascendencia.

(…………) Scaning deja al descubierto una agenda de viaje. Probablemente, este sea el punto de partida para un criterio curatorial que respeta el orden de un calendario. Me ha interesado captar y absorber energías, actitudes, reflexiones y escenas que fui encontrando a mi paso durante un período de tres meses de mi propio programa de trabajo, de viaje y de vida. (……………)

Magda González


Entre otras cosas, lo que se pretende con éste proyecto es representar al único espacio de arte alternativo cubano, Espacio Aglutinador, dentro de otro espacio de arte y así legitimizar, “supuestamente,” una trayectoria de trabajo que comenzó en el año 1994 en la Ciudad de La Habana.
El espacio Aglutinador se creó porque se necesitaba un espacio cultural de emergencia en Cuba en donde se realizaran trabajos curatoriales más atrevidos que estuvieran al margen de la censura. No es un lugar lucrativo, no es un Museo, ni una Fundación, es la casa de dos artistas plásticos cubanos, Sandra Ceballos y René Quintana, quienes además de su obra personal llevan a buen ritmo las actividades culturales de dicho lugar.
Dentro del proyecto “Scaning”de la curadora cubana Magda González los artistas Sandra Ceballos y René Quintana realizan una instalación.
Título: “Aglutinador Laboratorio”
Año: 2002
Dimensiones: 500 cm x 300cm
Descripción física de la obra: Trazar un rectángulo en el suelo con las dimensiones anteriormente apuntadas y llenarlo con los zapatos de algunas de las personas que han visitado el Espacio Aglutinador durante los ocho años de su existencia, colocar dos fotos de la documentación de las inauguraciones en dicho espacio. Estas fotos, que deberán ser a escala natural, contienen personas que están dentro del espacio de visita. Por último las paredes se llenarán con dibujos de Quintana y de Ceballos que contienen figuras humanas entremezcladas con consignas y discursos políticos tomados textualmente de la prensa cubana y de programas televisivos.

Este proyecto fue presentado por la curadora Magda González en el Centro Wifredo Lam en el año en curso para realizarse durante la Bienal de La Habana del 2003 y el mismo fue rechazado por el Consejo Nacional de la Artes Plásticas Cubanas. Los motivos fueron de carácter político ya que se trata de dos artistas cubanos, que aunque nunca han realizado actividades de carácter político en contra de su país, son responsables del único espacio de arte cubano que existe verdaderamente independiente y siendo éste espacio y éstos artistas rechazados por todas las instituciones culturales oficiales cubanas, la Bienal de La Habana, que también responde a intereses gubernamentales, no puede promover ni la obra de éstos artistas ni mucho menos al Espacio Aglutinador.




Intercambio de arte para igualdad,1999.
Rechazado en 2003, Ex-teresa arte actual.
Este proyecto consiste en intercambiar la colección de arte de una persona adinerada, con la de una persona pobre, con el propósito de que ambas propiedades (casas) alcancen el mismo valor económico. A pesar de tener los contactos con ambas partes (rico y pobre) del proyecto, este volvió a ser rechazado, ya esta ultima vez no solo por la peligrosidad de raptos y secuestros sino por que estábamos llendo por encima y por otras vías alternas a la institución o ¿por que la pieza es “otra de esas que lo que hacen es explotar a los pobres”?, hasta ahora no muy claro.

Bienal de la Habana 2003
Otro Intercambio Rechazado en el cual todas las propuestas expuestas al curador recibieron la categoría de peligrosa pa’ el estado.El intercambio consistía en intercambiar las primeras millas de publicidad/propaganda desde el aereopuerto hacia La Habana y San Juan, capitales de ambas islas conocidas como las alas de un pájaro. El área cerca de los aereopuertos es una de las primeras impresiones que recibe uno cada país, ademas el área cercana al aeropuerto de PR es un área donde viven y trabajan muchos cubanos exiliados lo que hace el reto de colocar la propaganda cubana en PR muy interesante. Al igual la publicidad de PR (gringa de hecho) recibiría a las personas al arribar a La Habana por el tiempo que dure la Biennal. Catalogado de imposible y peligroso.

Parque memorial:”La Historia sobre ruedas”
Comisionado por el programa de Arte Publico del gobierno de Puerto Rico,2002.
Rechazado por el mismo jurado tras nosotros llegar a la $uma deseada, Junio 2003.
La escultura o parque iba a ser el opuesto del ‘Spiral Jetty’ de Robert Smithson o sea un espiral desde el agua, en este caso un ‘surf spot’, hacia la tierra comenzando con aceras desde dos pies de ancho y así piezas de la historia del arte y arquitectura del país desde los 50’s hasta el presente a través del espiral que va creciendo hasta 50 pies de ancho. Muerte a la burocracia, la desconfianza ,las apariencias y las diferencias de clasemierda man. Ejkei for evel, y eni wey, quieren prohibir correr patineta en la Plaza Ballajá del viejo San Juan, spot mundialmente famoso que le sirve de portada a libros de turismo de Puert Rico. Varios miembros del jurado creen que la ultima presentación, otra maqueta de la pieza ajustada al nuevo presupuesto, es una chapucería(que no demuestra trabajo suficiente o no es “profesional”). Quiero comentar que en este año de proceso conseguí la mejor (en calidad y precio) compañía para hacer el parque, el apoyo de la comunida’ de ejkei (skateboard)del país, y el diseño del único parque para ruedas que tendría los “spots” de la historia del “skate” y pa’ colmo (como bono), mezclada la historia del arte y varias reproducciones de piezas, con los textos de ambas historias diluyéndose entre si.




(missing image – to be updated)




No último dia 30 de maio, foi lançada uma inscrição aberta a artistas e curadores solicitando “projetos rejeitados”. Esse anúncio circulou na internet durante as duas semanas que precederam a abertura oficial da 50ª Bienal de Veneza, pedindo que fosse disseminado ao maior número de destinatários e prometendo que integrariam uma ação não-oficial nos dias de abertura do evento.

O organismo que promoveu essa convocação chama-se “24/7” e se define como uma galeria “móvel e mutante, com orçamento baixo”. Uma vez desencadeada a chamada, seus responsáveis contam que sentaram para esperar as respostas: “Até o dia 11 de junho às 14h34, hora de Londres, recebemos em torno de 50 projetos”. Nenhum envio brasileiro foi registrado.

Essa Bienal, com curadoria geral de Francesco Bonami, foi organizada em torno de uma vontade: restituir à arte a supremacia do olhar do público. O título “Sonhos e Conflitos”, acrescido do contra-rótulo “A ditadura do espectador”, sugere uma resistência à mão pesada dos curadores. Aberta até o dia 2 de novembro, a presente edição da Bienal de Veneza anuncia sua vinda sob o estandarte da oposição à tendência que caracterizou o sistema artístico contemporâneo desde os anos 80, consistindo na imposição da visada do crítico sobre seu objeto.

O autoritarismo explícito na palavra “ditadura” é mais uma dessas metáforas militares que ainda assolam um certo discurso vanguardista da arte. Mas, isolando o hiperbolismo do tom, que poder o espectador consegue efetivamente exercer hoje? Certamente, Veneza não se configura como lugar experimental; certamente, essa suposta supremacia deferida ao espectador tampouco pretende agregar valor ao sentido de participação do sujeito.

Entre nós, isso foi teorizado em 1967 por Hélio Oiticica para a vanguarda brasileira, no texto “Esquema geral da Nova Objetividade”, justamente em meio a um governo apoiado por forças armadas. Já as reivindicações européia e norte-americana recaem sobre o controle opressivo e a política de censura das instituições artísticas. Para citar apenas uma referência histórica, ler o artigo de Robert Morris, “The Art of Existence. Three Extra-Visual Artists: Works in Process” (1971).

Em suma, eis as margens históricas dentro das quais essa Bienal definiu território. É interessante portanto analisar o teor propositivo do grupo “24/7” no contexto de uma rediscussão da chamada “recepção da obra”, fazendo uma outra substituição: “a ditadura do artista”. Cabe registrar o sugestivo nome de seu site na internet: http://www.24-7bombthemuseum.org/.

A reunião de todos os contrapontos mencionados reflete o sabor do nosso tempo: a inserção dos excluídos dentro de um circuito com circulação própria. Mas quê circuito é este e como um apelo coletivo à participação pode temperar os valores conservadores que regem a mais tradicional exposição, são algumas questões que caracterizam o estado atual da arte.

Sediada em Londres desde 2002, “24/7” é dirigida por Pablo León de la Barra, Beatriz Lopez e Sebastian Ramirez. Sabe-se, e esse dado não pode ser menosprezado, que sua plataforma atende exclusivamente jovens artistas latino-americanos. Stefan Brüggemann, Carolina Caycedo, Manuela Vieira-Gallo, Silverio e Carlos Amorales, são alguns dos participantes que ofereceram projetos, sempre em situações pontuais e efêmeras, driblando as expectativas de duração de uma mostra de arte. Os trabalhos, com uma certa tônica para o espetáculo, mesclam ingredientes indispensáveis para compreender o que quer a arte contemporânea, isto é: expor estratégias que regulam o sistema artístico, dos mecanismos de produção à sua exibição, ou, para continuar surrando o chavão, fazer crítica institucional.

Cabe refletir se a própria estratégia desse tipo de proposição já não determina, de saída, a natureza dos envios. Para os integrantes de “24/7”, as respostas da ação veneziana ganharam sintaxe de enquete, o conjunto dos projetos recebidos valendo-se de “diagnóstico” da situação atual: “Alguns dos projetos haviam claramente sido desqualificados em função de sua baixa qualidade, outros pareciam interessantes dentro de um contexto particular, mas não eram relevantes para a linha de trabalho implantada por ‘24/7’ (eram destinados a espaços ideais, com pretensões para ser ‘arte elevada’, ou usavam o discurso seguro do politicamente correto)”.

O fator irônico é que esses envios passaram por um outro crivo seletivo, uma vez que “24/7” se reservou o direito de julgar quais os projetos seriam fotocopiados para serem distribuídos em mãos pelas ruelas de Veneza a visitantes que oscilaram entre a mais absoluta indiferença e um fervoroso entusiasmo diante da iniciativa.

Segundo seus organizadores, “Projetos rejeitados/projetos não-solicitados” não repete o figurino situacionista pois não fora concebido como um lugar utópico onde tudo é possível e qualquer projeto é aceito: “Ao escolher e fingir agir como uma instituição no processo de seleção e não como uma fundação de caridade, esperamos tornar evidentes as falhas e fissuras existentes em ambos os lados dentro do sistema, as instituições e os produtores. O que fazer e o que não fazer dentro dos códigos estabelecidos dos espaços institucionalizados estão claros. O sistema se fecha em si mesmo para evitar ser criticado ou absorve a crítica e a normaliza. Os ‘projetos rejeitados’ que nós escolhemos atendiam uma perspectiva mais ‘terra-a-terra’. E propunham meios de produção mais realistas; projetos com estratégias semelhantes aos de nossa galeria sem orçamento. Deixamos o resto dos projetos às organizações ou instituições interessadas em outros conteúdos e/ou com orçamento para realizá-los”.

Mas o que chama atenção, e que mereceria uma reflexão em outra oportunidade, é o surgimento de um outro tipo de participação, geralmente coletiva e sob a chancela de associações virtuais. Tal reelaboração do papel do participante, frequentemente ligada a um ativismo político, vem transformando aos poucos a noção de “trabalho do artista” para um “trabalho imaterial”. Esse conceito, apresentado no livro “Império”, de Antonio Negri e Michael Hardt, permite articular um outro entendimento da ação do artista na sociedade: com o “poder comum de agir”, confere-se um novo sentido que aquele postulado nos anos 60 para a expectativa de “participação” na feitura da obra contemporânea.

Essa definição de trabalho, como escrevem Hardt e Negri, “está em relação contemporânea, co-extensiva e dinâmica com a construção da comunidade”. Por ora, me interessa cruzar o diagnóstico desses autores com as características funcionais da arte contemporânea, a saber: o surgimento de uma força de trabalho “envolvida em comunicação, cooperação, dedicação e reprodução de cuidados”. O dispositivo de trocas, recorrente nas práticas artísticas contemporâneas, foi mediado, no caso da proposição de “24/7”, pelo objeto que melhor simboliza a assimetria do sistema artística: um projeto recusado.

Afinal, qual foi o “trabalho” do grupo “24/7”, a não ser esperar o trabalho do outro, viver da vontade de circulação dos projetos recusados? Estamos bem distantes agora do que pretendia Bonami colocando par a par sonho e conflito, ditadura e espectador.

Lisette Lagnado
É crítica de arte e curadora independente, coordenadora do Arquivo Hélio Oiticica (Projeto HO e Instituto Itaú Cultural), autora de “Leonilson – São Tantas as Verdades” (DBA) e editora de Trópico e da seção “Em Obras”.


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